La semana deja un mapa especialmente amplio: debuts largamente esperados, canciones rescatadas desde procesos pasados, regresos que evitan la nostalgia y colaboraciones que parecen encontrar su forma en el cruce entre escenas. En esta edición del Radar Equal conviven el debut de Ms Banks, la nueva pieza de Lucia Tacchetti, la mutación escénica de Russian Red, el regreso de Iceage, la nueva deriva emocional de Arlo Parks, el encuentro entre Mabe Fratti y Bill Orcutt y el nuevo álbum autoeditado de James Blake.
Por: Ulises Sanher
Lucia Tacchetti: “Esta Vez” [sencillo]
Lucia Tacchetti vuelve sobre una canción que había quedado fuera de FLAPS para demostrar que algunos temas no llegan tarde: simplemente esperan su momento. “Esta Vez”, producida por la propia artista bajo su alias ELETÉ y grabada en Barcelona en 2021, aparece ahora como una pieza íntima que amplía el universo de aquel disco desde un costado menos físico y más contemplativo.
Entre sintetizadores analógicos, programaciones sutiles y una interpretación contenida, la canción trabaja con muy pocos elementos y aun así consigue construir una atmósfera de decisión interior. Frente al impulso más bailable de FLAPS, aquí Tacchetti se mueve en un registro más quieto: repetición, respiración, pequeños gestos sonoros y una emocionalidad que nunca se impone, pero permanece. Más que un descarte rescatado, “Esta Vez” funciona como una ventana paralela a una etapa creativa que todavía sigue expandiéndose.
Mabe Fratti & Bill Orcutt: “Almost Waking” / “El inicio es cuestión de suerte” [adelantos]
La colaboración entre Mabe Fratti y Bill Orcutt era improbable solo hasta que se anunció. Ahora, con los primeros adelantos de Almost Waking, queda claro que la coincidencia tenía sentido. La chelista guatemalteca y el guitarrista estadounidense trabajan desde la distancia para construir un álbum que, según la propia Fratti, terminó tomando una vibra nostálgica, pero sin perder rareza ni espacio.
En “Almost Waking” y “El inicio es cuestión de suerte”, lo que más destaca es la forma en que ambos dejan aire dentro de la música. Orcutt envía ideas de guitarra que parecen incompletas a propósito; Fratti responde con melodías vocales y arreglos que no buscan dominar, sino escuchar lo que esas estructuras permiten. El resultado tiene algo de conversación paciente entre dos lenguajes muy distintos que, en vez de chocar, se observan y se abren camino juntos. Más que una colaboración de prestigio, suena a encuentro real.
Arlo Parks: “Get Go” [sencillo]
Arlo Parks sigue revelando el universo de Ambiguous Desire con “Get Go”, una canción que entiende la pista de baile no como evasión, sino como espacio de procesamiento emocional. Después de “Heaven” y “2SIDED”, este nuevo adelanto profundiza la zona nocturna del disco con una mezcla de beats inspirados en el pirate radio, bajos firmes y esa voz suya que siempre parece llegar desde una distancia íntima.
La canción trabaja una euforia contenida, una melancolía que no inmoviliza sino que empuja hacia adelante. Hay algo muy preciso en cómo Parks construye ese equilibrio: ni puro desahogo ni pura tristeza, sino una tensión entre ambas. “Get Go” suena como una madrugada en la que todavía queda movimiento, pero ya entró la reflexión.
Ms Banks: SOUTH LDN LOVER GIRL [álbum]
Doce años tardó Ms Banks en llegar a su debut, y SOUTH LDN LOVER GIRL suena precisamente como eso: un disco que ya no está dispuesto a guardarse nada. La rapera británica —nacida Thyra Oji, de padre nigeriano y madre ugandesa, criada en Elephant and Castle— convierte ese tiempo acumulado en un álbum con rango real: historias de calle, canciones de amor, crítica racial y memoria personal conviven sin jerarquías.
El disco abre con una afirmación identitaria que ya marca el tono, pero es en canciones como “Catch You Lackin’” donde su escritura se afila del todo: el sur de Londres aparece no como pose, sino como territorio formativo. En el tema titular, Ms Banks convierte dos relatos trágicos en una crónica seca, sin subrayados morales, donde la violencia urbana, la salud mental y la xenofobia quedan expuestas con una frialdad más inquietante que cualquier dramatización. En “WHY?” y “WORK HARDER”, el álbum se mueve hacia una crítica más abierta: racismo, colorismo, precariedad laboral y la carga específica de ser mujer negra en Reino Unido.
Lo mejor de SOUTH LDN LOVER GIRL es que no se encierra en una sola energía. Puede pasar de la dureza de “NO LOVE” a la necesidad emocional de “S.O.S.” o “THE ONE” sin perder coherencia. Y cuando llega “ME & YOU (OUTRO)”, el disco deja de ser solo un gran debut de rap para convertirse en algo más delicado y más difícil: una artista diciéndose su nombre real en voz alta, revisando infancia, trauma y supervivencia sin esconderse detrás del personaje. No es solo un álbum de presentación. Es la prueba de que Ms Banks llevaba años escribiendo para este momento.
Russian Red: “Mentirosa” [sencillo]
Con “Mentirosa”, Russian Red inaugura la nueva etapa de “Rojo relativo vol. I” desde un gesto breve pero muy claro: las canciones ya no serán piezas cerradas, sino materiales vivos que se deforman, se cruzan y producen significados nuevos en escena. El sencillo, de apenas dos minutos y veinte segundos, abre una grieta donde una canción antigua se filtra dentro de una nueva, no como simple revisión sino como obra reescrita desde el presente.
Lo interesante del tema no está solo en su forma híbrida, sino en lo que anuncia. “Mentirosa” funciona como una declaración de método para esta nueva era escénica de cabaret místico: homenajear, superponer, transformar. En lugar de volver a una nostalgia del repertorio, Russian Red parece interesada en la mutación. El resultado es una pieza pequeña, pero con una idea fuerte detrás: la canción como organismo que cambia cuando entra en contacto con otra.
Iceage: “Star” [sencillo]
Después de cinco años sin publicar música nueva como banda, Iceage reaparece con “Star”, y lo hace en una dirección que confirma cuánto se ha desplazado el grupo desde la oscuridad post-punk de sus primeros años. Lejos del golpe frontal de sus inicios, este nuevo sencillo se mueve en una zona de pop alternativo extraño, casi luminoso por momentos, como si The Cure en su etapa más accesible se encontrara con la ironía gastada de Pavement.
La canción empieza como una historia de amor tóxico, con imágenes afiladas y un lenguaje agresivo, pero su conclusión empuja el tema hacia algo más abstracto y casi ambiental. En el último minuto, cuando el tempo se desacelera y las guitarras parecen desinflarse, Iceage vuelve a mostrar esa capacidad que siempre tuvo para deformar el rock desde adentro. “Star” no es un regreso nostálgico. Es una banda comprobando que todavía puede torcer su propio lenguaje.
James Blake: Trying Times [álbum]
James Blake llega a Trying Times con algo que rara vez suena tan claro en su discografía: libertad. Es su primer álbum autoeditado tras salir de una major, y esa soltura se nota en un disco que se mueve entre pop, R&B clásico, balada confesional y experimentación electrónica sin preocuparse demasiado por mantener una línea demasiado rígida. Es, quizás, uno de sus trabajos más dispersos; también uno de los más humanos.
Desde el caos de “Walk Out Music”, que abre el disco con una energía casi desbocada, Blake deja claro que aquí no todo va a mantenerse en el tono grave y flotante que lo hizo famoso. Hay canciones como “Death of Love” que empujan el dramatismo a un lugar casi excesivo, pero también momentos mucho más logrados como “Make Something Up”, donde la intimidad se construye desde una conversación amorosa torpe y profunda a la vez. En el centro del disco aparecen varias de sus mejores ideas melódicas en años, especialmente en el tema titular y en “Through the High Wire”, donde el falsete se deforma digitalmente sin perder calidez.
Cuando el disco toma desvíos —como el extraño sampleo de Dizzee Rascal o la aparición de Dave en “Doesn’t Just Happen”— se siente un poco accidentado, pero también fiel a la lógica de Blake: un artista que sigue pensando el sonido como algo maleable, emocional y en constante mutación. Trying Times quizá no sea un álbum impecable. Pero sí uno que vuelve a mostrar por qué Blake sigue siendo tan influyente: porque incluso cuando se dispersa, encuentra maneras raras y eficaces de volver emoción pura algo técnicamente impredecible.
Lo más interesante de esta semana no está en un solo género ni en una sola escena. Está en cómo cada lanzamiento trabaja una idea de transformación distinta: Ms Banks convierte la espera en declaración, Lucia Tacchetti reabre un archivo íntimo sin nostalgia, Russian Red vuelve porosa la estructura de la canción, Iceage rehúye el regreso obvio, Arlo Parks usa el baile como procesamiento emocional, Mabe Fratti encuentra un lenguaje común en la distancia y James Blake se permite por fin un disco más movedizo que controlado.
La música nueva no siempre necesita sonar a ruptura total. A veces basta con escuchar cómo un proyecto se desplaza apenas unos grados para que todo el paisaje cambie.
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